VI FESTIVAL DE CORTOS DE CARABANCHEL

COMPROMISO CON EL CINE

   El año pasado tuve el honor de conocer el Festival de Cortos de Carabanchel que dirige y organiza Juan Expósito en su Sala Tarambana. Me impactó la capacidad de convocatoria del festival y el carisma que tiene Expósito, hombre de la cultura, del teatro, de la escena. Carabanchel, territorio cinéfilo -allí viven numerosas gentes del cine- acoge este encuentro cultural en formato corto, cine en suma.

Juan Expósito

La sala, muy coqueta es un escenario perfecto para el intercambio de diferentes sensibilidades cinematográficas.

   Este año, también asistiré, pero en esta ocasión como participante. Mi corto Abel Cuerda, el pintor del color (2020) ha tenido la fortuna de formar parte de la selección oficial. Para alguien como uno, acostumbrado a estar al otro lado, será una experiencia muy gratificante compartir con el público asistente mi ópera prima.

   Este maldito año del coronavirus ha dejado, además de miles de muertos, algo que te destroza el alma, un panorama desolador para el mundo de la cultura. Pero Juan Expósito no entiende de obstáculos y se ha empeñado en realizar el festival en su formato habitual o sea, presencial. Con todas las medidas de seguridad dispuestas,  presenciaremos un programa atractivo que incluirá también piezas no profesionales realizadas sobre el COVID19.

   En esta edición, podremos disfrutar de algunos de los mejores cortos del panorama nacional. Por ejemplo, Mujer sin hijo (2019) de Eva Saiz, una hermosa pieza que habla de la soledad,  el deseo y del regreso a la juventud perdida de una ciudadana invisible -espléndida Susana Alcántara-.  También Flora (2019) de Javier Kühn, con una estética brillante en la que el cineasta registra el trayecto existencial que separa la vida de la muerte o Muero por volver (2019) de Javier Marco, donde la soledad se siente en un espacio de representación lúgubre y que cuenta con el retorno de Simón Andreu y el notable registro de Mabel Rivera.

          Simón Andreu en Muero por volver de Javier Marco.

   Igualmente, Esculpiendo la memoria (2018) de Rubén Seca, excelente poema visual que evoca la memoria personal y colectiva y que fija en la obra escultórica de Eloi. R. Franquesa la confirmación de la fugacidad de la vida, Alzimeher (2019) de Liteo Pedregal (Liteo Deliro) que habla del desgaste emocional de una familia que convive con el Alzheimer. El director, responsable entre otras de La hégira (2011), cuenta con un reparto estelar: María José  Alfonso, Manolo Zarzo y Javier Godino.

   Por otro lado, de las hermanas Cristina y María José Martín Mi hermano Juan (2019) un relato en el que la psicología rompe el hermetismo de una historia inconfesable y  veremos también los últimos trabajos de José Manuel Carrasco, Korsakov (2019), inteligente, como siempre y de Inés Pintor y Pablo Fernández Santidrián, A quien dices amar (2019), que siguen explorando el universo de las relaciones personales.

   En fin, piezas como la animación We sounds (2019) de David Carrizales, Marionetas (2020) de Nacho Clemente, Contaré hasta tres (2020) de Carlos Bigorra y Una vida asegurada (2020) de Jesús Martínez, sobre la figura del buen vendedor.

   Marcelo Carvajal y Susana Alcántara en Mujer sin hijo de Eva Saiz.

Con todo una 6ª edición notable, con la que Juan Expósito confirma su apuesta por un festival que aúna compromiso, solidaridad e integración social.

   Desde luego, será un auténtico placer asistir y participar en esta fiesta del séptimo arte, donde la Sala Tarambana, espacio de representación teatral se ha engalanado para recibir a las gentes del cine desde el 14 al 29 de agosto.

   Enhorabuena a su director, Juan Expósito por su valentía, por sentir la cultura y por seguir en el camino.

LOS ESPACIOS CONFINADOS

Espacios de fe

    Con ocasión del último Festival de Cortometrajes de Clermont-Ferrand, Lorena Martín, del Departamento de Audiovisuales del Gobierno de Canarias presentó en el “Short Market” el catálogo “Canarias en Corto 2020”.

   Entre los cortometrajes que integran dicho muestrario está Selfie de Nayra Sanz, excelente pieza que ya he comentado en otros espacios como el programa televisivo “Un corto contigo”, que desde hace tres años hacemos Antonio Peláez y este servidor y que emite Déjate de Historias TV, donde he destacado a esta pieza como uno de los 8 mejores cortos del año 2019.

   Otra de las cintas destacadas de este catálogo es Los espacios confinados del cineasta canario de origen sirio Omar A. Razzak y de Shira Ukrainitz en la que se cuestionan el impacto de dos religiones monoteístas, la judía y la musulmana. Omar prosigue un trayecto fílmico que representa realidades, mostrando con la fascinante caligrafía visual de Shira el espacio que ocupa la religión en el mundo.

   Razzak es uno de los fundadores de Tourmalet Films, con los que produce piezas que forman parte destacada de la historia de nuestro cine en corto, como Eskiper (2012) de Pedro Collantes o Koala (2012), El mundo (2014), Los Cárpatos (2015) y El fracaso (2017) de Daniel Remón, también socio de la productora e igualmente Circus (2011) y Todo un futuro juntos (2017) de su hermano Pablo Remón.

   El cineasta canario, que ha participado en el Talent de la Berlinale desarrolla una animación notable, creando figuras que son abstracciones geométricas encadenadas con planos picados que se aproximan al acto íntimo de la oración y que se imbrican en ese ritual religioso, fundiendo silencio y canto.

   Los espacios confinados es un brillante ejercicio visual cuyo trazo enérgico transforma sus imágenes en expresión de la fe.

FERROTIPOS

DUDA

    Ferrotipos (2020) es la ópera prima como directora de la actriz Nüll García. Una modelo (Susana Abaitua) acude al estudio de un reconocido fotógrafo (Adolfo Fernández), que le propone participar en un proyecto que intenta mostrar la inseguridad que transmite a la mujer la desnudez.

   Nüll ha actuado entre otras en Los encantados (2016) de Ricardo Dávila y en Pierpaolo (2016) de Miguel Ángel Barroso, una aproximación a la vida de Pasolini y también en el montaje teatral de la obra La excepción y la regla de Bertolt Brecht.

   La cineasta traslada la incertidumbre que siente una joven cuando presiente la utilización de su cuerpo. “no quiero que muestres la desnudez sino que la sientas”, le anima un Adolfo Fernández tan consistente y con buenos registros como es habitual en él.

   Nüll García rueda con elegancia, concibiendo planos muy bellos que asientan una estética en la que destaca la fotografía de Néstor Ruiz, responsable también junto a García de un montaje muy equilibrado.

   La directora deja momentos de una intensa hermosura, como la secuencia en la que Abaitua -buena composición la suya-,se prepara para la sesión de fotos, en la que apreciamos ese atisbo de duda en su expresión facial.

Con todo, Nüll García explora la vida de una mujer que decide el instante preciso donde quiere exhibir su cuerpo. En esa libertad y en la ductilidad del binomio protagonista a los que se une la electrizante intervención de Alba Flores, se hace fuerte el punto de vista de esta debutante que con esta interesante pieza adquiere una presencia destacada y a la que convendría no olvidar.

VERA

1Laura Rubirola y Paulina García durante el rodaje.

Belleza

    Como vengo señalando desde hace un tiempo, el cortometraje de nuestro país adquiere cada vez mayor presencia internacional. La reciente selección en el Festival de Tribeca de Nueva York de Vera (2020), ópera prima de Laura Rubirola confirma esta progresión de nuestro cine.

La pieza está inspirada en una historia personal de la productora catalana con la que reflexiona hasta qué punto conocen nuestras vidas seres ignotos y cómo nos reconocemos en los objetos.

Vera narra la curiosa relación que se crea entre un limpiadora y el dueño de la casa donde trabaja. A través de los objetos que ella cuida se produce una conexión entre dos desconocidos que aman la belleza de la creación.

Impresiona la interpretación de Paulina García. Ella se apodera de la película, desarrollando los matices que impone el guion de Rubirola. La actriz chilena ya nos había conquistado en Gloria (2013) de Sebastián Lelio, con la que obtuvo el Oso de Oro del Festival de Berlín a la mejor intérprete.

El corto crece artísticamente con los guiños musicales asociados a la primavera (Vivaldi), al maravilloso Palau de la Música y también gracias a una producción muy cuidada en la que brilla la fotografía de Daniel Vergara.

   Laura Rubirola reivindica la creación artística y firma una pieza de silencios donde se siente la emoción que genera la belleza.

 

ALCINE EN CASA

cada

 

CORTOS EN DÍAS DE CONFINAMIENTO

Llevamos cerca de 50 días confinados en casa y para hacernos más llevadero este sombrío y doloroso período que nos acecha,  el Festival de Cine de Alcalá de Henares-Comunidad de Madrid (ALCINE), lleva a cabo desde que se estableció el Estado de alarma en nuestro país la campaña CADA DÍA UN CORTO- ≠YoMeQuedoEnCasaViendoCortos, que pone a disposición de los ciudadanos y de forma gratuita numerosos cortometrajes que fueron exhibidos en pasadas ediciones.

Esta iniciativa ha sido posible gracias al compromiso desinteresado de directores, productores y escuelas. Los cortos pueden verse en la web del festival (www.alcine.org) y también en las redes sociales.

Felicito a Luis Mariano González, director de ALCINE y a su equipo por esta encomiable iniciativa que hará posible que numerosas personas puedan acercarse a este fascinante universo y así conocer piezas que son verdaderas joyas y que forman parte de nuestro acervo cultural. Es una buena manera de celebrar el 50ª aniversario -que se cumplirá el mes de noviembre-, de uno de los mejores festivales de  cortometrajes de Europa y que ahora se adapta a la realidad social del país, promoviendo una actividad cultural de servicio público.

El catálogo de exhibición es estupendo y, entre otros, hemos visto y veremos los siguientes títulos:

  • Made in Spain de Coke Riobóo.
  • Traumalogía de Daniel Sánchez Arévalo.
  • El aspirante de Juan Gautier.
  • Dreamers de Félix Viscarret.
  • Éramos pocos de Borja Cobeaga.
  • Alumbramiento de Eduardo Chapero-Jackson.
  • Sintonía de Jose Mari
  • Room de Fernando Franco.
  • Mala Espina de Belén Macias.
  • Bienvenidos de Javier Fesser.
  • Matria de Álvaro Gago.
  • Bendito Machine de Jossie Malis.
  • Avatar de Lluis Quilez
  • Uno Más, uno menos de Álvaro Pastor y Antonio Naharro.
  • Café para llevar de Patricia Font.
  • Mañana no es otro día de David Martín de los Santos.
  • Mis vacaciones de Juan Antonio Bayona.

¡Enhorabuena y gracias por este ejercicio de desvelamiento que tanto necesita este género con identidad propia.

MIS DOS MITADES

naranja

Dicotomía

La cinta se inicia con un plano sobre unas naranjas y limones que se encadena a otro para mostrarnos a una mujer cortando por la mitad dichos  cítricos, cuyas partes no encajan.

Mis dos mitades (2019) de Marta Solano pertenece al catálogo “Cantabria en Corto” y habla de la incidencia que tiene la maternidad  en la mujer.

Solano lleva una década entregada al documental, en el que recordamos el emotivo y notable Mujeres de la mar (2015), que se aproxima a la inmensa y callada labor que realiza la mujer en la retaguardia, cuidando los materiales que ayudan en la pesca.

Ahora, en este nuevo trabajo recoge los testimonios de la mujer que concibe, que da la vida, y en tres segmentos reflexiona sobre el cambio vital que experimenta.

En el primero de ellos, Madre, la cineasta investiga con la cámara, elemento que vertebra el relato y a través de la que observamos cómo uno de sus hijos filma escenas cotidianas, dejando planos inquietos que muestran los primeros dibujos infantiles, que identifican al motor de vida, a quien engendra.

En el segundo fragmento, Renuncias, Marta capta la pesadumbre e inmovilidad que siente una mujer al ser madre, cuando pierde su parcela personal, su descanso y su libertad. En su generosa entrega ya no es ella misma, es de los suyos, a los que ofrece todo su ser.

El documental se nutre estéticamente de la cuidada fotografía de Lucía Venero, que alumbra los espacios de esta nueva etapa que se inunda de amor y dedicación pero que también implica la pérdida de autonomía personal.

En el tercer segmento, Mis dos mitades, reafirma su único compromiso con esas dos criaturas –mitades- distintas pero iguales para la figura materna. Dos mitades que justifican el abandono voluntario en  una fase que acomoda dos trayectos de vida que se complementan.

Marta Solano se acerca a la intimidad de una mujer frenada existencialmente y logra una pieza de indudable interés.

DUELO

 

ruth      Ruth Gabriel.

De todos es sabido que la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC) es cantera inagotable de nuestro cine. De allí procede Ingride Santos la última joya, que firma su ópera prima como directora, Beef (2019), en la que habla de choque generacional y educación y que está producida por Isabel Coixet -quien tiene buen ojo para detectar talentos-  y que a través de Miss Wasabi Films hace posible una pieza que deja huella.

Con anterioridad, Ingride desarrolla un amplio recorrido profesional, siendo productora en Escándalo Films, actriz televisiva y realizadora publicitaria: en la actualidad es docente en la ESCAC.

Con este bagaje nos presenta una película que narra el enfrentamiento entre una alumna (Melisa Peralta) y su profesora (Ruth Gabriel). El desencuentro tiene lugar en el aula de un instituto, delante del resto de alumnos, testigos de este encontronazo. Durante un control, dicha alumna entrega su examen en blanco a la profesora y ella se lo reprende. Desde ese momento, se dirime un auténtico duelo en el que la joven critica con dureza la inutilidad de lo que estudia y la profesora, investida de autoridad moral la responde con una auténtica lección de vida.

Asistimos a un duelo desafiante, con miradas retadoras que expresan todo, silencios que guardan la tensión acumulada y que el buen trabajo fotográfico de Sandra Formatger ilumina con esmero.

melisaMelisa Peralta

Sobre ambas gira el notable guion construido por Ingride y Lluís Segura, que escruta el perfil psicológico de dos mujeres en lucha a las que dan vida Melisa Peralta, conocida rapera que debuta frente a las cámaras de manera muy convincente y Ruth Gabriel, una actriz portentosa que sobresale por su delicada madurez, haciendo de la contención una virtud y que regala una de las mejores interpretaciones de los últimos años en este formato.

En resumen, Ingride Santos filma una historia sobre el sempiterno conflicto generacional y deja una mirada íntima sobre la cuestionada figura de una maestra, representante de un sistema educativo un tanto caduco. Una pieza que transpira mucha verdad, muy bien filmada y que ofrece como colofón un final antológico.

 

EMILIO LLEDÓ-MIRAR CON PALABRAS

1Universidad de La Laguna.

Pensamiento

    Nunca agradeceremos lo suficiente a TVE el inmenso caudal de divulgación cultural que pone a disposición de la ciudadanía. Un referente incuestionable de esa propuesta es la serie “Imprescindibles”, que dedica a los personajes más destacados de la cultura del siglo XX. El último programa, Emilio Lledó- Mirar con palabras de David Herranz y Alberto Bermejo está dedicado a un filósofo que ama la comunicación: “la palabra es hablar con los otros, comunicarse”, dice en un momento del documental.

La pieza se inicia con un plano sobre un reloj antiguo que se funde con el de una estación de tren que en cierta forma simbolizan el paso del tiempo y el trayecto vital de un hombre libre que recuerda emocionado que “soy un niño de la guerra”.

Un hombre que ama la palabra y que rinde tributo a su maestro Don Francisco, quien le enseñó a mirarla en la Escuela Pública de la República en Vicálvaro (Madrid).

Herranz y Bermejo firman otro capítulo de la serie en 2016, El extraño caso de Gonzalo Suárez, fascinante trabajo sobre el cineasta asturiano que recogí como ejemplo de cine documental didáctico en mi libro El cortometraje en España- Un trayecto a través del lenguaje audiovisual, la historia y la crítica cinematográfica (2017).

Mirar con palabras contiene una gran potencia visual y cuenta con un excelente tratamiento lumínico de Pedro Fernández Vara e igualmente, con el apoyo musical de Juan Bardem. Este documento audiovisual recorre las geografías donde el filósofo nacido el año de 1927 en el barrio de Triana (Sevilla) ejerció su labor docente. Así, viajamos a distintas universidades en las que Emilio Lledó deja su huella intelectual y humana: Heidelberg, La Laguna, Barcelona y Madrid así como Valladolid y Berlín hasta finalizar como miembro de la Real Academia Española, de la que es Académico Bibliotecario.

2Vicálvaro en los años 70.

El documental acoge la reflexión serena de un filósofo de la vida, quien a través de la palabra impregna una obra que alterna instantes íntimos como el doloroso recuerdo a su esposa, con otros que son también evocadores, como el plano detalle sobre un libro de apuntes donde la óptica centra su atención en la página 208, adornada con los colores de la bandera republicana.

Los directores se apoyan en las aportaciones de personas que conocen bien a Lledó: José Carlos Guerra; Ana Handersson, Juan Cruz, Victoria Camps, Manuel Cruz, Fernando Delgado, Cipriano Játiva, Joan Margarit y Carlos García Gual reconocidos filósofos, poetas, escritores y periodistas que enriquecen un trabajo que se hace más dinámico con el montaje de Javier Pérez.

Todavía queda tiempo para recrearse con instantes que nos aportan mayor conocimiento y que nos regresan a los orígenes, a los clásicos. Un plano sobre unas manos que acarician el libro de Heráclito, la referencia al Mito de la caverna de Platón al que el protagonista considera posible origen del cine o el plano general sobre Emilio Lledó contemplando sus amadas ánforas griegas activan la magia de un documental que crece en la palabra, con el filósofo y también visualmente.

Como ese plano general sobre un grupo de niños en un colegio (el futuro), donde resuena la voz de este apasionado defensor de la enseñanza pública, que vuelve a Aristóteles “no tenemos que aceptar que sea el dinero y el poder económico los que detenten los niveles de la educación”. Y el filósofo sigue soñando y espeta ilusionado: “me gustaría ser maestro de escuela”, como su adorado Don Francisco, para atrapar la atención de los niños.

Emilio Lledó-Mirar con palabras es un excelente documental, ameno y didáctico con el que  Alberto Bermejo y David Herranz configuran un mosaico pleno de cultura, necesario para la reflexión pausada y crítica al que el gran maestro pone su acento: “libertad de expresión unida a la libertad de pensamiento”.

LOLA RÙI, CINEASTA

lola

En las artes plásticas ocurre a veces que uno conecta de manera muy especial con la capacidad que tienen algunos creadores para  formular la belleza. En el cine es igual y a mí me sucede con  la mirada que imprime a sus trabajos Lola Rùi. Ella, actriz, guionista y directora no lo ha tenido nada fácil, ya que como sucede en numerosos casos tuvo que buscar oportunidades fuera de nuestro país.

Allí (Estados Unidos) se la brinda al menos la ocasión de mostrar su talento y también de crecer artísticamente e incluso consigue protagonizar un arriesgado montaje teatral sobre María Magdalena. Allí, ha sido galardonada como actriz y realiza su ópera prima como directora, The door (2018) que habla sobre los miedos y de cómo afrontarlos. Un relato desasosegante donde brilla la música de Pablo P. García y con el que la directora apunta buenas maneras en el tratamiento formal de un corto que también ha recibido numerosos premios.

Aquí (España) acaba de presentar Ecclesiastes (2020) que cavila sobre el paso del tiempo y que sigue la línea narrativa de su anterior trabajo, recreando la atmósfera opresiva que se transpira en un espacio deshumanizado, casi apocalíptico, donde la muerte adquiere una presencia absoluta pero también la inmortalidad.

     El narrador de la historia es James Augustus Lee, voz poderosa que nos adentra en ese territorio espectral y que nos deja igualmente un mensaje de cierto optimismo intensificado por el lirismo de Pablo P. García, quien colabora de nuevo con la cineasta y logra emocionar con una banda sonora que canaliza las emociones que desprende el film.

Desde luego, sobresale la cuidada producción de Javier Tallón, responsable también de los efectos visuales y que ayuda a formular una obra de  contrastes en la que Alexander Zimmer ilumina la agonía de la protagonista, otra notable aportación de la propia directora.

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El cortometraje es muy recomendable, acaba de ser seleccionado por el “New York International Film Awards” y supone un punto de inflexión en la incipiente trayectoria de Lola Rùi, confirmando su indiscutible talento. Seguiremos atentos a la trayectoria de esta polifacética artística.

MÁS CINE, POR FAVOR

Me cuenta mi padre que Luis Eduardo Aute en unas de sus canciones decía: “cine, cine, cine, más cine, por favor”. Le he tomado prestada la canción a Aute y he pedido al “Tolkien de los cortos”, como le presenta Antonio Peláez en “Un corto contigo” el programa que hacen juntos en Déjate de Historias Televisión, que  me envíe más pelis, (gracias papá). Aquí va otra lista:

 

-ROMA, CIUDAD ABIERTA (1945)- Roberto Rosellini

 Neorrealismo  italiano, la función social del cine.

DUELO AL SOL (1946)- King Vidor

Obra maestra del western. Se armonizan la belleza de la película y la presencia de  Gregory Peck, Joseph Cotten y Jennifer Jones con la música de un extraordinario compositor, Dimitri Tiomkin.

PASIÓN DE LOS FUERTES (1946)- John Ford

 Western crepuscular, uno de los muchos y brillantes dirigidos por el maestro Ford.  Asoma Shakespeare y también –me pongo en pie- Henry Fonda y Walter Brennan.

LADRÓN DE BICICLETAS (1948)- Vittorio de Sica

  Otra película cumbre del Neorrealismo. Padre e hijo y la dignidad mancillada. La imagen como soporte que revela la realidad social.

-CANTANDO BAJO LA LLUVIA (1952)- Stanley Donen/ Gene Kelly

Hermosas coreografías y momentos que han quedado fijados en nuestras retinas. Gene Kelly en estado puro. Brillante musical.

-EL HOMBRE TRANQUILO (1952)- John Ford

 Majestuosa, libre, divertida y bella. Recuerdos y costumbres de la tierra de origen del director, Irlanda. Desfile de personajes inolvidables. Y, desde luego, John Wayne, Maureen O’Hara y Victor MacLaglen. Disfrutamos de una película que mantiene un ritmo vertiginoso.

VACACIONES EN ROMA (1953)- William Wyler

 Comedia romántica en la ciudad ideal, con Audrey Hepburn y Gregory Peck.

LOS SIETE SAMURAIS (1954)- Akira Kurosawa

Un clásico que ha dejado huella perenne en el cine de nuestros días.

JOHNNY GUITAR (1954)- Nicholas Ray

  Este diálogo pertenece a la antología de grandes momentos del cine. Ellos son Joan Crawford y Sterling Hayden:

¿A cuántos hombres has olvidado?  (Johnny) A tantos como mujeres tú recuerdas (Vienna).

-SABRINA (1954)- Billy Wilder

Cenicienta revisitada (Audrey Hepburn estelar) y dods hermanos que luchan por ella (Humphrey Bogart y William Holden). Deliciosa

-CENTAUROS DEL DESIERTO (1956)- John Ford

 Excelente regreso de Ford al western con una película que abrirá camino a futuros trabajos en un género que en esos años agonizaba.  Es una obra maestra, uno de sus mejores trabajos.

 -CON LA MUERTE EN LOS TALONES (1959)- Alfred Hitchcock

Hitchcock y Cary Grant: queda dicho todo.

– LOS 400 GOLPES (1959)- François Truffaut

   Obra que inicia la Nouvelle Vague. Antoine Doinel, siempre en nuestra memoria.